Ahora que por fin (y repito, ¡por fin!) estoy de vacaciones, puedo dedicarme un poquito más al blog. Es por eso que esta semana pasada no actualicé, ya que esperaba hacerlo esta. De todos modos, tampoco voy a tener demasiado tiempo libre, aunque sí el suficiente para hacer las cosas que me gustan.
En fin, en una época como ésta, pues ya estamos en Navidad aunque no lo parezca, me apetece distanciarme un poco de los villancicos, las lucecitas de colores y toda esa parafernalia que cada año se vuelve más hipócrita. Y ¿qué mejor modo de hacerlo que trasladándonos al lejano y legendario Oeste? Sí, habéis leído bien, no es una errata. Aunque, por supuesto, lo haremos metafórica y simbólicamente, a través del último grupo gótico importante de la década de los 80s: nada más y nada menos que los emblemáticos Fields of the Nephilim. Nadie mejor que ellos se merece el calificativo "gótico" pues, creedme, es difícil ser más góticos que los "Nephs" (cariñosamente hablando). Los ingleses Fields of the Nephilim y su peculiar estilo.
Formados en 1983 en la ciudad de Stevenage, su primer álbum Dawnrazor (1987), fue una grabación increíble que combinaba el sentido épico de The Mission con el sentido enigmático de los Sisters. El vocalista y compositor principal, Carl McCoy, no tenía miedo de enfrentar las fuerzas arcanas que solían atravesar la atmósfera sonora de los Sisters, pero que nunca se manifestaron verdaderamente. Mientras que Eldritch tomó el nombre de su banda de una canción del cantautor canadiense Leonard Cohen, McCoy tomó el nombre de su banda de la sabiduría bíblica. Tal como le explicó a la revista Cornerstone en 1989: "El término bíblico Nephilim ya lo conocía desde muy joven. Si uno conoce el primer libro de la Biblia, el Génesis, puede ver que los llamados "hijos de Dios" seducen a algunas de las mujeres de la tierra y generan una raza de personas llamadas Nephilim. Se dice que ellos le enseñaron a las personas sobre la guerra, la astrología y la magia". Este mito hebreo también está vinculado a los herejes Evangelios Apócrifos, en los que el líder de los Nephilim, llamado Semjaza, es comparado a veces con Satanás, si bien McCoy ilustra el típico rechazo gótico invocar al Príncipe de las Tinieblas. McCoy es menos escrupuloso al hablar de la ficción de los mitos de Cthulhu del escritor norteamericano H.P. Lovecraft (ha descrito el clásico tema de la banda "The Watchman" como una innovación musical del monstruoso dios Cthulhu).
Carl McCoy, vocalista de la banda, luce una misteriosa apariencia de vaquero de películas del Oeste.
Aleister Crowley también hace aquí una inevitable aparición: la canción "Moonchild" es una referencia a uno de los ritos de magia más conocidos de este personaje y a su única novela publicada, mientras que "Submision" contiene un sample vocal muy relacionado con la magia negra de Crowley. Precisamente, la banda abrió el camino del sampling, que después se convirtió en una característica muy común del rock gótico moderno. Los sonidos y los diálogos macabros también fueron tomados de películas de terror como Posesión Infernal y La Matanza de Texas, pero estas no fueron las únicas conexiones de la banda con la lúgubre cultura norteamericana. Fields of the Nephilim se inspiró en los salvajes oponentes de los pueblos nativos norteamericanos. Tomaron prestado su particular look (abrigos largos y gastados y sombreros de ala ancha, cubiertos de polvo o, quizá, talco) del género llamado "spaguetti western" de los sesenta. El spaguetti western es tan gótico como permite el género del western: dramas lúgubres y misántropos sobre la muerte, cuyos antihéroes, de mirada vidriosa y armas tomar, son casi sobrenaturales. Pero más influyentes fueron las bandas de sonido compuestas por Ennio Morricone, cuyo machismo rítmico y cuyos tañidos de tensión llegaron a ser un rasgo distintivo del género. El álbum Dawnrazor abre con "The Harmonia Man", un tema compuesto por Morricone para "Érase una vez en el Oeste", si bien la influencia del compositor italiano puede sentirse a lo largo de la carrera de los Nephilim. Este extraño cóctel poco creíble (Cthulhu, Crowley y Clint Eastwood) no debería cuajar tan fácilmente, pero es que esa es una parte del poder imaginativo de Fields of the Nephilim.
Tras la disolución definitiva de la banda en la primera mitad de la década de los 90s, Carl McCoy formó una agrupación bajo el nombre de Nefilim, pero perdió muchos admiradores al introducir un furioso thrash metal en los característicos temas góticos. No obstante, los Nehilim volvieron a reunirse no hace mucho y nos deleitaron con un nuevo álbum, Mourning Sun, y ahora, ¡incluso están haciendo algunas giras! Esto vuelve a demostrarnos una vez más que el rock gótico, y su espíritu, nunca morirán, sino que permanecerá ahí eternamente para resurgir de la tumba cada cierto tiempo.
El hecho de tener un amigo director de cine siempre ayuda positivamente a la calidad de los vídeos musicales de tu banda, como lo demuestran los videoclips de FoTN, que presentan todos una factura excelente.
Así es, por fin tenemos página oficial de La Guarida del Murciélago en Facebook, donde podréis seguir toda la actualidad de esta página y dondo, además, podréis conocer música nueva de las bandas de las que aquí hablamos, así como curiosidades.
Antes que nada, disculparme por mi retraso de esta semana, pero es que he estado bastante ocupada estudiando... bueno, o intentando estudiar, ya me comprendéis. En fin, que siempre pongo la misma excusa y no quiero retrasarme más. En el fondo, lo que me pasa es que me da mucha pereza escribir en el blog, y más aún si tengo cinco días de fiesta :P
Bueno, pues hoy vamos a hablar de otra de mis bandas favoritas. Favoritas no, favoritísimas; de esa exclusiva selección que incluyo en mi top 5 musical personal. Y, si, seguro que ya lo habéis adivinado: se trata de Sisters of Mercy, probablemente, (y sin probablemente también) una de las bandas góticas más importantes de la década de los 80s, sobre todo de la segunda mitad, aunque su líder y vocalista, Andrew Eldritch, seguramente no estaría de acuerdo, ya que era característico de aquella época de crisis del goth británico de finales de la década que muchos quisieran relegar el culto gótico a la historia. Fundados en 1980, los Sisters tuvieron inicialmente a Eldritch como batería, pero tal y como él mismo admitía "era un mal batería", de modo que incorporaron una caja de ritmos. Este dispositivo, apodado "Doktor Avalanche", ayudó a crear el sonido característico de Sisters of Mercy, que comenzaba como un rock lento con un mordaz costado sintético y que generó comparaciones poco halagadoras con Joy Division, antes de evolucionar hasta su propio sonido y su propia identidad. El Doktor Avalanche, además, según comentarios desfavorables, fue el único "miembro" de la banda que toleraba el "temperamento artístico" de Eldritch. Un año después de grabar su álbum debut de 1985, First and Last and Always, (y el más oscuro desde mi punto de vista) la formación se disolvió en medio de una algarabía de acusaciones cruzadas. El guitarrista Wayne Hussey y el bajista Craig Adams pretendían al principio formar una banda que compitiera con la de Eldritch, a la que llamarían Sisterhood, pero su hasta entonces vocalista se enteró de ello y grabó un single con ese mismo nombre, obligando al dúo a adoptar el nombre The Mission como su nuevo apodo. La acrimonia entre los Sisters no se limitó a peleas internas. La prensa comenzó a identificar al equipo de Eldritch como una banda gótica: eso era prácticamente equivalente a insultarla a mediados de la década de los 80s.
Eldritch reaccionó con violencia al ser etiquetado de gótico, ganándose el desprecio no sólo de la prensa del rock, sino también de los seguidores góticos que la banda comenzaba a atraer. Su siguiente álbum, sin embargo, hizo poco para disuadir a la prensa y a los fans. Floodland fue lanzado en 1987 y se convirtió en un clásico casi inmediatamente. Si la espiral claustrofóbica de Joy Division fue el punto de comparación más ovbio con los comienzos de los Sisters, éstos pronto desarrollaron un exotismo cada vez más amplio y un divino sonido decadente y muy consciente. Sin embargo, el hecho de que ambas bandas pudieran ser definidas como góticas surgió de un lugar similar. Ambas procedían del deprimido norte de Inglaterra (los Sisters, concretamente, de la ciudad de Leeds), y las mismas imágenes dominaban sus paisajes líricos: la amenazadora oscuridad de un mundo postindustrial que se derrumbaba, presentada de manera mítica e incluso sensual, gracias a un toque de romanticismo perverso. El temperamental líder y vocalista de la banda, Andrew Eldritch
A modo de contraste, mientras que Ian Curtis tenía cierta vulnerabilidad, Andrew Eldritch era un espectador distante, capaz de saborear la degeneración y la decadencia como un aristócrata, inmune a su tóxico canto de sirenas sobre la destrucción. Esto fue condensado en el sonido hipnótico y urbano de los sisters, con sus estribillos de guitarra que invitaban a bailar y sus arabescas vocales de acompañamiento. Todo esto unido por la voz de barítono, fría y profunda, de Eldritch, que fue fundamental para el sonido gótico posterior (para asombro del cantante), si se puede decir que existe una entidad tan informe así denominada. Los Sisters of Mercy habían estado de gira previamente con Gun Club, lo que le había proporcionado a su vocalista un largo abrigo negro, y en Floodland, también hizo uso de su nueva bajista, Patricia Morrison. Ambos se replicaban mutuamente, causando un efecto musical impresionante en temas como, por ejemplo, la magistral "This Corrosion". También parecían la pareja gótica ideal que representaba el eslabón perdido entre los rostros pálidos y el encaje de la subcultura goth y el cuero negro de la estérica rockera y motera- aunque ambos se negaban a confirmar si eran realmente pareja.
Eldritch se esforzó por distanciarse de la etiqueta de gótico a finales de los ochenta, con una serie de maniobras elegantes: la más conocida fue la del vídeo que hizo en 1988 para el tema "Dominion", para el cual se cortó el cabello, sustituyó el largo abrigo negro por un traje de lino blanco y se dejó crecer la barba. Otro "accesorio gótico" que abandonó Eldritch fue a la propia Patricia Morrison, que se fue en 1989 en circunstancias poco claras. Cuando, diez años más tarde, la revista Meltdown le preguntó si alguna vez pensó en retomar contacto con Eldritch, la bajista respondió: "Antes me clavo agujas en las pupilas". Y agregó: "Andy es tan bueno como los compositores de temas que lo rodean" (una afirmación polémica, ya que Eldritch ha sido siempre la voz dominante y la fuerza creativa de la banda). También desprecia Morrison la continuación de Floodland, lanzada en 1990, Vision Thing, tildándola de "fracaso comercial y artístico". Es que es significativo que el carácter petulante de Eldritch acostumbre a eclipsar sus logros artísticos.
Si bien ni siquiera él mismo podría negar que los Sisters son definitivamente dark e incluso decadentes, es posible entender el rechazo de Eldritch a la etiqueta "gótica". Los clichés de ataúdes y telas de araña no son parte de su mundo. Sus letras pueden ser crípticas, pero las criptas no están en los planes de Eldritch. El ocultismo y lo macabro no son territorio de los Sisters, ni los comentarios indirectos sobre política, psicología y cultura moderna. "Sin embargo", se queja Eldritch, " sólo tengo que ponerme medias negras para que me tilden de terrateniente demoníaco". Eldritch y la bajista Patricia Morrison
Al igual que Rozz Williams, Andrew Eldritch prefería que lo consideraran parte de una tradición del rock "alternativo" dark: ambos citaron a Velvet Underground y a The Doors como sus influencias primordiales. Pero, como Christian Death, los Sisters of Mercy se encontraban sin quererlo en el ojo de la tormenta gótica: incluso cuando querían sacarse de encima la etiqueta tras declarar a los medios que era una subcultura definitivamente pasada de moda.
Pues qué mas puedo decir, cuando ya está todo prácticamente dicho. Supongo que Eldritch se habrá sorprendido al comprobar cuantísimas bandas posteriores a ellos han tomado su sonido, renovándolo y adaptándolo a los nuevos tiempos, pues el sonido "sister" se ha convertido prácticamente en la base del rock gótico. No cabe duda de que, junto con Fields of the Nephilim y Christian Death en el terreno del deathrock, ha sido una de las bandas que más han influido en la escena gótica, además de estar reconocida como una de las principales y de las mejores. Creo que hace un tiempo dije que Bauhaus, junto con los Sisters of Mercy, era una de las mejores bandas góticas; pues bien, reafirmo lo dicho. Es que lo indudable es indudable.
¡Saludos! El otro día, navegando por YouTube, me encontré con este vídeo de Bauhaus tocando en directo el mitiquísimo tema "Bela Lugosi's dead" que, además, es mi canción favorita de ellos. Qué decir si sobran las palabras, pues esta banda era excelente tanto en estudio como en directo. A disfrutar ;)
Aprovechando que hace poco tiempo hablé de Joy Division y que también hace poco volví a ver esta película y, por tanto, la tengo bastante fresca, hoy hablaré de Control, un documental que narra la vida de Ian Curtis desde poco antes de decidir unirse al grupo hasta su muerte, acaecida, como ya sabemos, el 18 de mayo de 1980. No es fácil ciertamente acometer la tarea de relatar la vida de una de las figuras más influyentes de la música de nuestros tiempos, y mucho más difícil es otorgarle a la narración un toque sentimental (sin llegar a ser sensiblero) que hace que te encariñes con los personajes. Especialmente emotivo me parece el final, cuando Ian se suicida y suena de fondo Atmosphere. He de confesar que lloré con ese momento sin poder evitarlo. Dirigida por Anton Corbijn- el mismo que dirigió el videoclip del tema citado anteriormente-, es sin duda un filme excelente para tratarse del primer trabajo de su director. Dos cosas que me encantan, además de la buena factura de la película, son el hecho de que esté rodada en blanco y negro, algo que se agradece en estos tiempos inundados de películas en 3D y que, en cierto modo, contribuye a que nos traslademos a esa época y lo vivamos. El otro aspecto que me gusta es que los actores cantan y tocan realmente en los escenarios, algo que además de suponer un esfuerzo extra, supone un extra de realismo (habría quedado muy falso que tocaran en playback con los discos del grupo de fondo...). Algo que también me ha encantado es que además de centrarse en la vida de Ian Curtis, también nos relata el ascenso progresivo de Joy Division a la fama, por lo que en ningún modo es aburrida o monótona- de hecho, hay más de un momento divertido. Y también momentos muy tristes, como ya se ha dicho.
En definitiva, es una película que merece la pena ver si eres fan de Joy Division, y si no lo eres y quieres acercarte al grupo, también. Desvela el lado más humano de un hombre y una banda que cambiarían para siempre el panorama musical, para bien o para mal, según se mire.
El otro día me encontré con este curioso disco de covers compilado por la famosísima discográfica Cleopatra Records, en el que se recogen versiones realizadas por diversas bandas góticas de canciones de David Bowie, creando así como una especie de tributo a este gran músico. En él se pueden encontrar algunos temas muy conocidos, como el Panic in Detroit de Christian Death, y otros un tanto llamativos, como es el caso de Starman por Nosferatu. Éste en particular me hace reír siempre que lo escucho porque mezclan el glam con esa atmósfera típicamente gótica, e incluso introducen elementos etéreos en la canción. Otro cover que también me gusta mucho es el Time de Cinema Strange, realizado de forma impecable, y con el estilo tan propio y personal que caracteriza siempre a esta banda. Alien Sex Fiend, los maestros del Batcave, tampoco podían faltar en un repertorio así y contribuyen con su versión de All the Madmen. Otros temas conocidísimos que aparecen en este disco son Heroes, Andy Warhol y China Girl, a cargo de Wreckage, Tubalcain y Trance to the Sun, respectivamente. Para mi gusto, falta la archiconocida versión de Bauhaus de Ziggy Stardust que, de hecho, me gusta mucho más que la original (y eso que yo adoro a Bowie) y, si me apuráis, incluso podría haberse incluido el Heroes de Parálisis Permanente.
Pero, en fin, el disco entero es una joyita y merece la pena escucharlo... sirve para demostrar que, efectivamente, el goth es un género que tiende a la hibridación y a tomar aspectos de otros estilos musicales, lo que le sirve para enriquecerse más.
Os dejo el tracklist completo y el link de descarga. Éste será el único disco que dejaré para descargar porque sé de sobra que es difícil de conseguir. Que lo disfrutéis.
David Bowie y el mejor rock gótico, ¿qué más se puede pedir?
GOTH ODDITY
1. Alien Sex Fiend-All the Madmen 2. Big Electric Cat- Cat People 3. Christian Death- Panic in Detroit 4. Cinema Strange- Time 5. Corpus Delicti- Sufragette City 6. Ex-Voto- Scary Monsters 7. Gene Loves Jezebel- All the Young Dudes 8. Kommunity FK- Hang on to Yourself 9. The Mission- After all 10. Nosferatu- Starman 11. Silent Order- Always crashing in the same car 12. Trance to the Sun- China Girl. 13. Tubalcain- Andy Warhol 14. Wreckage- Heroes.
¡Saludos! Hoy me alegro de comunicaros que cruzaremos por primera- pero no por última- vez el océano para trasladarnos a los Estados Unidos, concretamente a California, para hablar del nacimiento de la contraparte americana del rock gótico europeo, conocido como deathrock. Y, sin lugar a dudas, cuando pensamos en deathrock la primera banda que se nos viene a la mente es Christian Death (quizás el máximo exponente del género). Claro que me refiero a los viejos Christian Death, a los auténticos, si así lo preferís: los liderados por el gran Rozz Williams, allá por los 80s. El actual Christian Death no es sino una pálida sombra de lo que fue hace mucho tiempo- creo que no hace falta decir que ODIO a Valor Kand, entre otras cosas porque robó a Rozz su creación y usurpó su arte. ¿Por qué me he decidido esta semana a hablar de Christian Death? No sabría decirlo con seguridad, aunque uno de ls motivos es que ayer Rozz habría cumplido 47 años de haber seguido con vida.
En fin, es como poco curioso que Christian Death, igual que los británicos Bauhaus, se fundara en 1979. Parece que el mundo entero se ponía de acuerdo para dar a luz una nueva ola de oscuridad que no tardaría en expandirse. Y sí, el fundador original de la banda fue Rozz Williams, que por aquel entonces sólo tenía dieciséis años de edad; un talento inquieto y brillante que se quemó con la misma rapidez con la que brilló.
La formación original de la banda. A la derecha, Rozz Williams
Rozz Williams no era, por supuesto, el verdadero nombre del cantante. Según se dice, tomó su nombre artístico de su lápida favorita del cementerio local. Su nombre real era Roger Alan Painter. Sobre el origen del nombre de la banda se ha discutido mucho: hay quien dice que procede de un juego de palabras con el nombre del diseñador Christian Dior y, también, que reflejaba el rechazo de su líder hacia la educación religiosa. ¡Ah, sí! el tema antreligioso será un continuo a lo largo de la carrera de la banda. Rozz Williams siempre fue un Transgresor, así escrito, con mayúsculas. Más tarde, la banda sostendría que no atacaba las enseñanzas de Jesús sino las de la Iglesia, que había pervertido su credo según sus necesidades (qué queréis que os diga, pero en este aspecto estoy totalmente de acuerdo con ellos). Su nombre y logotipo cruciforme estuvieron basados en el hecho de que el cristianismo, supuestamente la religión del amor, tomó como su símbolo el elemento utilizado para ejecutar a su mesías.
La controversia inherente al nombre de la banda fue una manera de escandalizar diferente a las utilizadas en el escenario deathrock. Porque sí, el deathrock ya existía antes, principalmente con 45 Grave, pero fueron Christian Death quienes lo pulieron definitivamente y le dieron ese toque "gótico" que le faltaba, convirtiéndolo en lo que conocemos hoy día. De hecho, si el deathrock anterior se basaba en películas de terror, Christian Death tomaría sus influencias de escritores malditos como Baudelaire o Poe. De manera similar, el sonido atmosférico de Christian Death tenía más que ver con el experimentalismo post-punk que se estaba dando en Inglaterra. Incluso en su aspecto, el cabello largo y teñido de negro de Rozz, sus joyas de plata, sus medias de red y las batas de noche negras lo colocaban en el mismo terreno que los andróginos góticos europeos. El estilo vocal de Rozz (permitidme que lo llame por su nombre, es por afecto y cariño) también presentaba una tendencia al barítono preferida por las bandas góticas; de hecho, su voz a veces sonaba más inglesa que norteamericana.
Rozz exhibiendo una esvástica en uno de sus peculiares shows.
El hecho de que Rozz haya dicho que casi no conocía el pujante escenario europeo hace que los paralelos sean mucho más llamativos y que a uno se le pongan los pelos de punta al darse cuenta de todas estas casualidades.
Como sucede con casi todo lo brillante, sin embargo, lo que siguió estuvo plagado de confusión y controversia. La confusión comenzó en serio cuando Christian Death se separó, no mucho después de su debut. Ésta había sido su primera encarnación, pero llegarían otras más. Christian Death volvió a alzarse cuando a Rozz se le unió el guitarrista y vocalista Valor Kand (maldito sea eternamente). Poco tiempo después de juntarse nuevamente, Christian Death se mudó a Francia, lo que le permitió a Rozz absorber la atmósfera de París, la ciudad que había sido el hogar de tantos de sus héroes, los poetas y decadentes de un siglo antes. Grabaron Catastrophe Ballet en Rockfield Studios, en Gales. Este álbum, grabado en 1984, presentaba un sonido más delicado, de varios niveles, y su dura belleza confirmó la reputación de culto de Christian Death entre el creciente público gótico. El regreso de la banda a Estados Unidos derivó en la grabación del álbum Ashes (1985), que supuso la cima de la fama de la formación clásica de Christian Death, un trabajo en el que el pretencioso misticismo de Kand y la venenosa, retorcida y oscura, pero bella poesía de Rozz se combinaron para causar un fascinante efecto siniestro. Además, fue la última grabación de Rozz con esta versión de Christian Death.
La siguiente separación del grupo, al comienzo, fue amigable. Rozz Williams estaba ansioso por explorar nuevos universos- yo siempre digo que no había nada para lo que este hombre no sirviera, porque hacía de todo. A finales de la década de 1980, en compañía de Eva O, quien había hecho acompañamientos en sus primeros materiales (ambos se habían casado en 1988), el fundador de la banda comenzó a actuar una vez más bajo el nombre de Christian Death. Esto enfureció al grupo de Kand, quien insistía que Rozz les había cedido el nombre. Los fans estaban confundidos: ahí tenían a los dos miembros rivales de Christian Death, en gira a principios de 1990. Esta rivalidad dividió a los fans de Christian Death del mismo modo en que la banda se había dividido, y el grupo de Rozz Williams tuvo que presentarse con el nombre de "Christian Death Featuring Rozz Williams". Muchas de las grabaciones de Rozz en ese momento tenían un regusto de desesperación, pero entre ellas había algunas verdaderas joyas, como la épica
El siempre transgresor Rozz Williams transmutado en una novia oscura.
Path of Sorrows (1993), que el músico describió como su álbum preferido de la banda. La reacción de Kand fue continuar grabando sus propios grandilocuentes y pesimistas álbumes, en un intento por estampar su propia marca de creatividad en la banda de una vez por todas. Con material explosivo y envoltorios que atraían la censura, Kand exponía presuntuosa y provocativamente sus opiniones sobre el sexo, la muerte y la religión.
Esta confusión se desvaneció de la peor manera posible cuando Rozz Williams se suicidó, ahorcándose en su habitación el 1 de abril del año 1998, con 35 años de edad. Los amigos dudaban acerca de los motivos que pudiera haber tenido el cantante para quitarse la vida. De todos modos, incluso una ligera mirada hacia su legado artístico revela un alma muy atribulada, cuyo don artístico fue pagado a un precio terrible: la capacidad de ver la oscuridad del mundo con dolorosa claridad. Al igual que muchos de sus héroes decadentes, el músico encontró refugio en los narcóticos, y la misma adicción a la heroína que lo ayudaba a inspirar sus convincentes y horrorosas actuaciones habladas como Whorse's Mouth (1996) fue minando su espíritu.
Además de sus macabras actuaciones habladas, Rozz grabó con Gitane Demone el disco Dream Home Heartache, donde destaca el bellísimo y deprimente tema Flowers, que se ha erigido en una especie de himno en memoria de Rozz Williams.
No obstante, para mí el mejor disco de la banda, el gran legado de Rozz, es Only Theatre of Pain, una obra de deathrock puro que ha trascendido a lo largo de los años.
Con su suicidio, no sólo murió un músico lleno de talento y un hombre de personalidad fascinante, sino también un auténtico poeta. Cuando Rozz murió, yo tenía 7 años... ni siquiera me enteré, como es normal. Quién iba a decirme a mí que años más tarde iba a convertirse en uno de mis ídolos.
"I can die a thousand times, but I will always be here", llegó a afirmar; y claro que estarás siempre aquí, Rozz, estarás en nuestros corazones cada vez que escuchemos tu música. Nunca te olvidaremos. "Toda la verdad es paralela, toda la verdad es falsa"
Lugar en memoria de Rozz Williams en el cementerio Hollywood Forever, California.
¡Saludos nuevamente! Sí, ya sé que publiqué cuando me correspondía, que era el domingo... pero si posteo hoy es para anunciar dos nuevas secciones que inauguro en el blog, para que no sea tan monótono y termine convirtiéndose en algo aburrido (ni vosotros ni yo queremos que ocurra eso), así que me enorgullezco de presentaros a Dark Entries y Shadowplay. Vayamos paso por paso:
Dark Entries
En esta sección, haré breves reseñas de discos importantes (y no tan importantes), de mi propia mano y con mis propios criterios, por eso os prevengo desde ya para que no os veáis influenciados por mis artículos; será reseñas PERSONALES y siempre desde mi punto de vista. La música, como arte que es, es algo muy subjetivo, y lo que a mí me parezca muy bueno, a otros puede parecerles no tanto, y viceversa. No dejéis de escuchar un disco sólo porque a mí me haya parecido "regular", hay que darle una segunda oportunidad a las cosas. Creedme, que en eso tengo experiencia.
¿Por qué crear una sección de reseñas discográficas en el blog? No sólo para otorgarle movilidad al mismo, sino también porque, como gran amante de la música que soy, quiero entrenarme en este tipo de ejercicio en el que por ahora tengo poca experiencia. Quiero profundizar, ahondar en la música que escucho, y que también mis lectores sean a la vez receptores de la impresión que me causa esta música. El nombre de la sección está tomado de una canción de Bauhaus, y etiquetaré individualmente cada reseña para que así sean más fáciles de localizar, del siguiente modo: "Dark Entries: reseña de título del disco, artista" (ejemplo: "Dark Entries: reseña de Mask, Bauhaus". Esto significa que tendré que reescuchar muchos discos, pero siendo música que me encanta, no va a importarme. Además, mi LastFM lo agradecerá :)
Shadowplay Y Esta es la otra novedad que voy a introducir. En este caso, se trata de una pequeña sección de cine donde comentaré algunas películas relacionadas con el tema y que me parezcan interesantes. Más que nada será algo así como tratar brevemente una reseña pequeñita y luego mi opinión y demás. Como comprenderéis, no es fácil dar con filmes que tengan relación con la temática del blog o con bandas de las que aquí se hablan, así que extenderé el repertorio a películas en las que salgan integrantes de bandas, o películas en las que salga música de ellas. Será, más que una sección de cine, un apartado de "curiosidades". Ya veréis, hay alguna que otra sorpresa... y alguna desagradable. El título de este apartado está tomado de una canción de Joy Division, y las etiquetas también será individuales, como en el caso de Dark Entries. Irán así: "Shadowplay: título de la película"- sólo en algunos casos, en otros pondré un título que convenga.
En fin, con este adelanto de lo que viene a partir de ahora (¡por supuesto, continuaré hablando sobre bandas y músicos!), os dejo. Volvemos el domingo estrenando "Shadowplay" ;)
¡Saludos, batcavers! Pues como todos sabemos, hoy es 31 de octubre, día (o noche de) Halloween, la noche más oscura del año, así que hacemos una breve pausa en los post del blog para regresar el domingo que viene con más de lo mismo.
Hoy, más que nunca, es un día perfecto para escuchar rock gótico, o deathrock, aunque todos los días son buenos para escuchar esta música maravillosa.
Sin más, os dejamos con la canción perfecta para hoy: "Halloween", de Siouxsie and The Banshees. ¡Que la disfrutéis! Y nos vemos en noviembre.
¡Bienvenidos de nuevo a la Cueva! Esta semana la dedicaremos a una banda de la que hace tiempo quiero hablar, pero no encuentro, digamos "palabras" para hacerlo. No es porque me fascinen, entendedme, sino porque no encuentro artículos e información que me guste acerca de ellos para escribir un post en condiciones. Así que supongo que tendré que limitarme a contaros un poco su biografía, mezclada, como siempre, con un poco de mi opinión personal aquí y allá. Se trata, sí, de The Cure, una de esas bandas excepcionales que tocan muchos estilos musicales sin aferrarse totalmente a ninguno. Decir de The Cure que son pop, o rock gótico, es, simplemente, quedarse muy cortos. Si bien es verdad que nunca se han ganado realmente la etiqueta de "góticos" (al menos no puramente), sí es cierto que es una de esas bandas que todo amante de la música gótica termina escuchando tarde o temprano. En mi caso, fue algo singular. Hace tiempo que los conozco sólo de oídas, y sí había leído que son muy buenos, pero siempre retrasaba el momento de escuchar algo de ellos porque decía "bah, seguro que no me gustan". Grave error por mi parte. Más tarde, y por curiosidad, me decidí finalmente a escuchar algo de su música y quedé, sencillamente, encantada. A día de hoy, es otro de mis grupos favoritos, al menos en lo que respecta a su primera etapa de carrera.
Pues bien, la banda empezó llamándose Easy Cure y nació en un colegio de Crawley, una ciudad construida sobre los escombros que dejó la guerra en un pequeño pueblo en el corazón de la campiña del sur de Inglaterra. Aunque Easy Cure había surgido como una banda de punk, para cuando simplificaron su nombre a The Cure, la creciente fascinación de Robert Smith (vocalista) por los temas oscuros y opresivos, ya se había unido a su habilidad para canalizar esas ideas en canciones apasionadamente evocadoras, y fue eso lo que hizo que su primer álbum Three Imaginary Boys fuera catalogado como algo muy diferente a los típicos trabajos punk de aquellos días. No hemos de extrañarnos por esto, pues ya a estas alturas sabemos de sobra que incluso en los mismos tiempos del punk surgieron bandas que ya se distanciaban de este estilo de música, adoptando tonos más oscuros propios de lo que posteriormente se llamaría rock gótico.
El segundo álbum, Seventeen Secons (1980), confirmó lo que los críticos ya habían advertido - The Cure estaban ahí para quedarse. Su tercer álbum, sin embargo, derrumbó todas las expectativas. Faith, según los parámetros de la industria de la música de principios de los 80, era practicamente un intento de suicidio. Era un disco de introspección mórbida y ensimismamiento, donde cada una de las desesperadas canciones estaba obviamente diseñada para destrozar la frágil sensibilidad de los programadores de radio (da gusto leer cosas así, lo digo en serio). Digamos, pues, que la banda comenzaba a asestarse puñaladas a sí mismas. No obstante, que conste que estos primeros álbumes son mis favoritos. Cuando el cuarto álbum, el sombrío Pornography de 1982, se convirtió en el primer álbum de The Cure que entraba en el Top Ten Británico.
En julio de 1983, The Walks se colocó sin esfuerzo en el Nº 12 en el Reino Unido, seguido de un éxito incluso mayor, The Lovecats. Un nuevo álbum, extraño y sin concesiones, The Tops, lleno, según dicen, de enormes cantidades de ‘setas mágicas’. Smith sustituyó a Tolhurst en The Cure en febrero de 1989, antes de la publicación de Disintegration. El sello lo consideraba como algo casi invendible. O, en palabras de Smith, «Yo pensaba que era nuestra obra maestra, y ellos creían que era una mierda». El disco se colocó en el Nº3 en el Reino Unido y entrando en el Top 20 americano por primera vez, allí ganó otro disco de platino. Aunque la banda mantenía un perfil relativamente bajo al comenzar la década de los 90, 1991 les trajo un Premio BRIT al Mejor Grupo Británico y en mayo de 1992, el álbum Wish hizo su debut en el Nº1 del Reino Unido y el Nº2 de USA.
1993 se lanzan los directos, Show y Paris. Smith se centra en el proceso judicial que había abierto Lol Tolhurst, quien reclamaba, derechos sobre el nombre de la banda. El Tribunal Supremo de Londres dictó sentencia en contra de Tolhurst en septiembre de 1994.
O’Donnell, Thompson y Williams habían continuado avanzando desde el comienzo de la década y la participación de Simon empezaba también a fluctuar. En mayo de 1996 sale Wild Mood Swings, el anterior roadie de The Cure, Perry Bamonte se puso a la guitarra, Jason Cooper había reemplazado a Boris a la batería y Roger O’Donnell fue persuadido para que se reuniera a la formación.
Se embarcaron en su mayor gira de todos los tiempos, actuando en más de 100 conciertos ante multitudes extasiadas en los estadios más prestigiosos del mundo. A la gira le siguió un nuevo recopilatorio en 1997, Galore.
Bloodflowers(2000) es Nominado a los Grammy, es un logro del que Smith se siente particularmente orgulloso, el tercer capítulo de la Oscura Trilogía, junto con Pornography y Disintegration.
The Cure llevó a cabo el concierto más ambicioso de su carrera en el Tempodrom de Berlín, con la trilogía oscura al completo, en directo y durante más de tres intensas horas. En la primavera de 2003 se publicó el DVD/Vhs Trilogy para el regocijo universal.
Publicaron el set de 4 CD, Join the Dots, a primeros de 2004. Un encantador compendio de caras B, difíciles de encontrar, rarezas y remixes que preparan el camino para ese salto hacia delante que representa su último trabajo - The Cure.
Convencido por Ross Robinson, Smith vuelve a confiar en The Cure, cuando todo apuntaba a una separación y un disco en solitario. Así en 2004 es el momento de un nuevo disco de estudio The Cure.
En mayo de 2004 The Cure firmaron un contrato global de tres discos con Geffen Records.
¡Saludos y bienvenidos una vez más a nuestra cita semanal! Si bien es cierto que la semana pasada no me encontraba con muchas ganas de escribir un post en condiciones, hoy vuelvo con las pilas cargadas y dispuesta a ofreceros una entrada de verdad. He de decir que, para mí, el hecho de llevar este blog ha pasado de ser un simple entretenimiento a convertirse casi en un hobby... sí, dedico parte de la semana a pensar sobre qué o sobre quiénes escribiré el próximo domingo, y también- aunque parte del artículo es improvisada- a madurar lo que escribiré. Pues bien, como lo prometido es deuda y lo que yo prometo siempre lo cumplo, sería una falta por mi parte no hablar inmediatamente de esta banda. Ya hemos estado en Londres e incluso en Madrid; hoy viajaremos a Manchester. Supongo que es una pista muy clara, ¿no? ¿Aún no lo habéis descubierto? Bueno, pues sin más dilación lo digo ya: hoy hablaremos de Joy Division. Joy Division es una de esas bandas que, por suerte o por desgracia, llevan aparejado inevitablemente el fantasma de la muerte. Por suerte porque quizás gracias a la muerte de su vocalista, Ian Curtis, se han convertido en leyenda. Y por desgracia porque debido a este mismo hecho desconocemos cómo habría evolucionado la banda en caso de haber continuado.
El caso es que una de las cosas que más me han llamado siempre la atención de JD es que nacieron casi en pleno apogeo punk, aunque es cierto que ya hacia 1976 este tipo de música comenzaba poco a poco a declinar. Y, en lugar de conformarse con ser otra banda punk más del montón, se aferraron a un lirismo depresivo y unas melodías oscuras que los llevaron a crear prácticamente un nuevo género que más tarde se denominaría "Post-punk", origen del futuro rock gótico en los 80s.
Junto con Siouxsie and the Banshees, de los que ya hemos hablado, Joy Division suele ser reconocida como la primera banda post-punk en ganarse la etiqueta de "gótica" (siempre entrecomillas). Ya en 1979, la periodista de música Mary Hannon vinculó a los dos grupos en un movimiento post-punk descrito como "gótico del siglo XX". En una entrevista para promocionar el álbum debut de 1979 de Joy Division, Unknown Pleasures, Hannon comentó: "Una de las claves de Joy Division es el título de su álbum. Otra es la descripción que hizo Martin Hannet (productor de la banda), como "música para bailar, con dejos góticos". Sin quererlo, el guitarrista Bernard Albercht hizo una excelente descripción de "gótico" en nuestra entrevista, cuando describió su película preferida, Nosferatu, al decir que "la atmósfera es verdaderamente malvada, pero uno se siente bien allí".Una de las fotos de la banda que todos conocemos.
La marca distintiva de la banda, de su rock postmoderno y sombrío pero innovador, se denominó "death disco"; sus tonos desolados y sus introspectivas letras contrastaban fuertemente con su ritmo dance compulsivo, un contraste que algunos compararon con los ritmos oscuros de los Doors, en cuya música los temas se entrentan al ritmo acelerado. La leyenda de Joy Division surgió y se quedó sólo en dos álbumes: Unknown Pleasures y Closer, su continuación de 1980. Peter Saville, responsable del aclamado diseño de la cubierta de ambos trabajos, considera a la banda como un producto de su desolado entorno, la lúgubre ciudad de Manchester, en el norte de Inglaterra. Manchester es una ciudad de pasajes subterráneos de cemento, con una catedral de estilo gótico.
Ian y Bernard, el guitarrista.
A primera hora del 18 de mayo de 1980, en vísperas de una gira por Estados Unidos que llevaría a Joy Division a la fama internacional, ocurrió la tragedia: el vocalista Ian Curtis se quitó la vida; se ahorcó, mientras un disco del álbum The Idiot, de Iggy Pop, sonaba en el plato. El suicidio de Ian Curtis fue doloroso y absurdo a la vez; de alguna manera, recordaba la tragedia del poeta decadente Gerard de Nerval, que un siglo antes había sido encontrado ahorcado con una cinta que, según había comentado orgulloso a sus amigos días antes, era una liga de la reina de Saba. Estos dos excéntricos, en lucha con sus flaquezas, dejaron un documento artístico como legado que da testimonio de sus conflictos internos. Curtis le dejó al mundo, entre otras, su canción Love Will Tear us Apart, que exponía lúgubremente los enredos románticos que, para algunos, motivaron la acción desesperada del cantante; el tema pronto se convirtió en un clásico.
Como exclamó un artículo de Sleazenation en el año 2001,: "Como cantante principal de Joy Division, Ian Curtis lideraba la banda más importante de la generación post-punk. Como el fallecido cantante de Joy Division, Ian Curtis lideraba la mejor banda de rock and roll de todos los tiempos". Ian Curtis, con esa imagen de filósofo existencialista que pasaría a la posteridad.
Sin lugar a dudas, su muerte generó un gran oleaje de comentarios. En un artículo de 1997, David Dorrell le comentó a Suzanne Colon: "Con su suicidio, Ian Curtis no solamente le puso fin a su propia vida y a la de la banda, sino que permitió que se formara un vacío al que llegaron corriendo las demás bandas". La muerte de Ian (permitidme llamarlo así, por familiaridad) demostró algo que era imposible de seguir. Le dio a todos los cantos fúnebres bailables de Joy Division una credibilidad instantánea, asegurándoles un lugar en los libros de la historia del rock. También les permitió a los seguidores entusiastas de la banda que mantuvieran la indulgencia romántica de especular con lo que habría podido ser si su ídolo hubiese superado sus escasos 23 años.
La locura se retorcía en el centro del maligno universo de Joy Division; el telón de fondo era el sombrío y decadente corazón industrial de Gran Bretaña, las fábricas y los sitios abandonados. "Lo que embriagaba a Ian parecía ser la locura y el desequilibrio mental", reflexionó el guitarrista Albretch. "Dijo que un miembro de su familia había trabajado en un asilo psiquiátrico y que solía contarle cosas sobre las personas de allí: personas con veinte pezones o dos cabezas, y que eso le causó una gran impresión. Cuando Joy Division estaba formándose, él ocupaba parte del tiempo trabajando en un centro de rehabilitación para personas con dificualtades mentales o físicas que intentaban encontrar trabajo. Eso le afectó mucho".
Para muchos medios que se toman las cosas al pie de la letra, en el campo de la música decadente no puede haber un mejor honor para un músico depresivo que culminar su carrera con el suicidio. Tumba de Ian en el cementerio de Manchester (algún día te visitaré, Ian, te lo prometo).
Por supuesto, la credibilidad póstuma de Joy Division estuvo cargada de inconvenientes; sobre todo para los compañeros de banda de Ian, que se encontraban al borde del éxito pero a la vez empañados por una tragedia que no debían explotar. Los miembros restantes permanercieron para formar una banda distinta con el nombre de New Order, que comenzó a desmentir esa asignación de "oscuro" a la banda. Al parecer, Ian era el único interesado por la oscuridad; de hecho, fueron estas obsesiones oscuras las inspiradoras del nombre Joy Division, tomado de la novela de Karol Cetinsky House of Dolls, que trataba sobre prisioneras de un campo de concentración obligadas a convertirse en prostitutas por sus carceleros nazis (de hecho, la banda ha sido varias veces catalogada de "pronazi", algo que ellos mismos, y yo también, desmintieron).
Tal vez no sea yo quién para decir esto pero, al menos, según mi opinión, Joy Division es una de las mejores bandas del mundo. Y no sólo para los fans de la música oscura, sino para los amantes de la música en general, que deberían darles una oportunidad. Es una verdadera pena que, a día de hoy, poquísima gente se acuerde de ellos y que, si preguntas a cualquiera quién fue Ian Curtis, lo más seguro es que te responda que no tiene ni idea. Pero claro, hoy día la música, la concepción de la misma, ha cambiado mucho, y ahora se fija la mirada en lo que "está de moda", en lo "último", y no en lo verdaderamente bueno. Y claro, quién va a recordar a una vieja banda de finales de los 70s y principios de los 80. Ayer mismo, en LastFm, una nota de un desgracidado diciendo que Joy Division era una mierda, me partió el corazón. ¿Cómo puede alguien decir una cosa así? ¿Cómo puede alguien atreverse a pensarlo siquiera? Pues debemos recordar que, nos guste o no, Joy Division revolucionó la música en su momento y que, si no hubiera sido gracias a ellos, muchas bandas posteriores o actuales no habrían existido siquiera. En primer lugar, les debemos el nacimiento del rock gótico, algo que muchos fans de este tipo de música agradecemos sin duda. Y en segundo, su brillantez y la demostración de que incluso los temas más lúgubres tienen cabida en la música popular como la tienen en la poesía.
Videoclip póstumo de Atmosphere, uno de sus mejores temas.
Y qué decir de Ian Curtis, que para mí sólo puede describirse con un adjetivo: GRANDE. Siempre fue un hombre oscuro y atormentado (un "pre-gótico", si es que algo así existe), y su forma de bailar, según dicen extraída de sus ataques epilépticos, siempre será recordada. Ian es uno de mis ídolos y, de hecho, ocupa uno de los primeros puestos en mis listas de personas admiradas. Es un personaje que me fascina poderosamente- tal vez por su atracción hacia la muerte y la oscuridad, y por mi identificación con estas mismas cosas. Ian se ha convertido, con el paso del tiempo en un auténtico "poeta maldito" de la música moderna. 30 años y medio hace que lo perdimos y aún hoy sus seguidores lamentamos su muerte. Con su suicidio no sólo acabó con su vida, sino también con su talento.
Hace un año pude hacerme con el recopilatorio de 1995 Permanent, otro de esos discos que guardo con mucho celo entre mis favoritísimos. Sí, estas cosas me pierden irremediablemente. Todavía recuerdo cuando babeé al encontrar el vinilo de The Sky's gone Out de Bauhaus; disco que no pude comprar...
Escena final de la película documental sobre la vida de Ian "Control", dirigida por Anton Corbjin (al igual que el videoclip anterior). Juro que casi lloré al ver este final, aunque ya sabía lo que iba a ocurrir.
Saludos, hoy hago un breve paréntesis en la publicación de post sobre bandas y demases para hacer una pequeña reflexión que, aunque posiblemente sea un poco tonta, la considero necesaria. Más que una reflexión en sí, lo quiero dejar como una pregunta abierta para que cada uno piense y medite al respecto. ¿Han cambiado mucho las cosas desde los 80s en este ámbito? Para mí, la respuesta es sí. Muchas cosas han cambiado en un sentido evolutivo, y han surgido nuevas ramas, nuevas perspectivas que enriquecen el movimiento y lo amplían. Todo en este mundo tiene que evolucionar, y al igual que progresan y cambian con el tiempo las lenguas, la historia, la tecnología, la ciencia, etc., también lo hacen las subculturas urbanas. Es algo natural y es algo inevibitable, por lo cual yo no creo que realmente esto haya desaparecido o "muerto" como muchos afirman. Por otro lado, en cierto modo, todo también se ha corrompido mucho desde los inicios. Ahora todo es más superficial, más falso, más como una máscara, como un disfraz. Antes era una verdadera forma de vida, algo que te entusiasmaba y de lo que estabas orgulloso; ahora es sólo un "traje" que te pones cada fin de semana. Por eso yo tengo otro punto de vista distinto. Además, ya no son muchos los que recuerdan a las viejas glorias de la música oscura. Es una pena ver lo que ahora se considera "gótico"...
En fin, eso es todo. Lo dejo aquí para que cada cual reflexione.
¡Bienvenidos de nuevo a esta cita semanal con la música que nos gusta! Esta semana he estado, debo decirlo, bastante ocupada, pero he tenido tiempo suficiente para madurar el tema del post de este domingo y meditar suficientemente. Y, si bien me debatí entre varios artistas sobre los que quería escribir hoy, llegué a la conclusión de que va haciendo falta por aquí un poco de producto español. Pues, aunque bien es cierto que el blog está dedicado al Batcave en particular, no quiero limitarme y prefiero hablar de la música oscura en general de esa maravillosa década de los 80.
Muchos seguro que a estas alturas ya habréis averiguado el tema de esta semana; otros ya lo habréis hecho nada más leer el título, y otros quizá necesiten que les refresquemos un poco la memoria o bien que les enseñemos cosas nuevas. Pero para eso estoy yo aquí :) Pues hoy voy a tratar nada más y nada menos que de Parálisis Permanente, uno de nuestros grupos nacionales mejores y más destacados. Antes que nada, debo decir que en aquellos tiempos, eso de "gótico" aquí en España no existía; el término correcto para designar al movimiento surgido, entre otros, de la Movida Madrileña es Siniestro. "Gótico" es una palabra anglosajona que no se importaría a nuestro país hasta mucho después. Pues bien, Parálisis fue, casi sin dudarlo, una de las primeras formaciones íntegramente oscuras que aparecieron en nuestro país. Todo comenzó cuando Nacho Canut y Eduardo Benavente (dos ex-miembros de Alaska y los pegamoides) crearon un proyecto paralelo al que bautizaron con el nombre de Parálisis Permanente a comienzos de 1981. Eduardo y Nacho llevaban las ideas muy claras sobre lo que querían hacer, es decir, divertirse y crear algo con lo que realmente se sintieran a gusto. De esta forma, y acompañados por Johnny Canut, el hermano de Nacho, se dieron cita en el local de ensayo de los Pegamoides. Su debut como banda tendrá lugar en febrero del año 1981, donde el hermano de Eduardo, Javier Benavente, actúa como vocalista junto al resto del grupo para un puñado de personas en la sala El Jardín de Madrid. De hecho, la foto interior del CD recopilatorio "Singles y primeras grabaciones" nos muestra un fragmento de aquel momento tan emblemático. El cambio de vocalista tendrá lugar por causa de la inexcusable cita con el servicio militar que todo español varón y mayor de edad tenía que cumplir durante los años ochenta (para los que no seáis de España y, por tanto, no sepáis a qué me refiero, podéis buscarlo en Google. Mi padre está cada dos por tres contándome sus batallitas de la "Mili"). Javier la estaba sufriendo en aquel momento, y eso le restaba tiempo de ensayo; tiempo que, cada vez más, la banda le exigía y él no podía ofrecer. Ante esta carencia Eduardo fue asumiendo cada vez más el papel de cantante y también de líder de Parálisis. Benavente empezó a interesarse por el sonido de un grupo coétaneo muy influenciado por los sonidos oscuros de The Cure o Joy Division, llamado Gabinete Caligari. En aquellos tiempos, y teniendo en cuenta el tipo de música que estas bandas hacían, era muy difícil para Parálisis o Gabinete editar un trabajo con alguna discográfica. Es por eso que Eduardo y Javier barajan la posibilidad de autoproducirse un EP compartido con Gabinete Caligari que saldrá a la luz en 1982.
En 1982 se empieza a preparar lo que tiempo después será conocido como el primer y único LP de la banda, "El Acto", todo un ejemplo de gothic rock, y el disco más emblemático del panorama siniestro español (yo tengo la fortuna de poseerlo en formato CD; es uno de los discos a los que más cariño tengo). Cabe citar también que Ana Curra entró a formar parte del grupo como miembro estable; ella también formaría junto a Eduardo un nuevo proyecto con el nombre de Seres Vacíos. "El Acto" resultará muy atractivo por diversas razones, la primera de ellas es su lograda calidad compositiva y su genial sonido, que nada tiene que envidiar a las bandas más importantes del positive-punk y primer gótico de Inglaterra. El disco contiene joyitas como la que da nombre al álbum, y versiones como "Quiero ser tu perro" de los Stooges y el notable cover "Héroes" de Bowie. La segunda es su portada, en ella se aprecia alumbrada bajo una luz tenue a la pareja del momento. Benavente y Ana Curra posando frente a un candelabro, Curra con un pelucón de escándalo que solía utilizar en algunas de sus actuaciones y un atuendo un tanto sadomasoquista.
Portada de "El Acto"
El éxito sonreirá a Parálisis Permanente durante finales de 1982 y principios de 1983. Benavente empieza a seleccionar a otras bandas que se unen a la fiesta oscura de cara a la publicación de nuevos trabajos bajo su sello Tres Cipreses. Los conciertos programados de Parálisis Permanente iban en aumento, y además consiguieron aaprecer en el programa Caja de Ritmos de Carlos Tena a principios de 1983 (en aquellos tiempos, cuando en nuestro país todavía se hacían programas sobre buena música y no la basura televisiva que hay ahora). Le seguiría la edición de su último trabajo, "Nacidos para dominar"/"Sangre". Poco después y con motivo de la presentación del programa de Paloma Chamorro "La Edad de Oro", registraría una actuación en directo que no fue seleccionada para la emisión, y que quedaría comp rueba piloto.
De camino a Zaragoza con motivo de la actuación en un festival en el que tocarían con varias bandas, el 14 de mayo de 1983, el Seat Ronda que conducía Ana Curra sufre un accidente por causa de la acusada lluvia, haciendo que Eduardo fallezca en el acto con tan sólo 20 años de edad. Eduardo es enterrado en el cementerio del barrio de Carabanchel, en Madrid. Ante su pérdida, el grupo se descompondrá irremediablemente. Finalmente, Ana decide proseguir con Seres Vacíos, proyecto con el que editará tras la muerte de Eduardo un segundo trabajo, en el que en su corte "Luna Nueva" se escucha la voz del para siempre líder de Paralísis Permanente.
Una de mis fotografías favoritas de Eduardo
Qué decir de Parálisis, si realmente es mi grupo español favorito. Todo lo que dijera sería poco: maravillosos, únicos, irrepetibles, y aún podría alabarlos mil veces más. Eduardo es, para mí, uno de esos personajes inmortales a los que de vez en cuando añoro y echo de menos... y, por supuesto, lamento muchísimo su muerte, que incluso a mí, que no lo conocí, me duele. Quién sabe hasta dónde podría haber llegado la banda si él hubiera seguido con vida. Descanse en paz.
Videoclip de "Autosuficencia", el único que llegó a grabar la banda.
Antes de empezar, quiero anunciar que cambiaré la fecha de postear al domingo en lugar de al lunes, empezando por hoy. La causa de este pequeño e insignificante cambio es que mañana comienzo las clases en la universidad otra vez, y como este año (por lo pronto) tengo turno de tarde y una hora por la mañana, pues me va a ser más difícil postear. Y como el domingo me viene mejor, pues lo cambio a ese día :)
En fin, vamos al grano, como suele decirse. Pues hace tiempo que quiero hablar de esta mujer porque, sinceramente, la adoro. Susan Janet Ballion, más conocida como Siouxsie Sioux o "la Diosa de Hielo", fue originalmente una punk, miembro precisamente del archiconocido grupo Sex Pistols (dato que, hasta hace muy poco, yo desconocía). Hizo su debut como artista en un festival punk de 1976, ahora legendario, en el 100 Club de Londres. Como cantante y líder del grupo Siouxsie and the Banshees, realizó una improvisación carente de tono de "The Lord's Prayer", acompañada de Sid Vicious a la batería, Marco Pirroni a la guitarra y Steve Severin al bajo. Solamente Siouxsie y Severin permanecerían en la formación clásica de los Banshees, mientras que Pirroni se unió a Adam and the Ants y Vicious reemplazó al bajista original de los Pistols. Al principio, Siouxsie fue la contraparte femenina del arquetipo de punk masculino representado por Sid, pero, en un momento en el que la energía creativa del punk rock se disipaba en una nube de autodestrucción, los Banshees ya se dirigían en una dirección musical totalmente propia. Paul Woods fue un joven fan de los Banshees, y describe los primeros sonidos de la banda de esta forma: "era el típico sonido metálico de la guitarra de John Mackay y el ruido sordo, casi militar de la batería de Kenny Morris, junto con el aullido estridente de Siouxsie sonando encima. No había nada similar en esa época, ni siquiera el punk, ya que no había elementos característicos del blues y era lo más parecido a un sonido "industrial", con una formación de guitarra, bajo y batería [...] y a los fans del rock más antiguos, les resulta completamente desagradable y opresivo". Esto último se vio reflejado por las displicentes palabras de la revista Rolling Stone, que calificó a la banda como "uniformemente morbosa, demasiado indulgente y monótona".
Siouxsie, representante de la primera estética gótica femenina.
La crítica del nihilismo lírico y la cacofonía musical fue algo difícil de soportar cuando la banda producía su primer material, de principios a mediados de los ochentas, momento en que Siouxsie casualmente describió el nuevo enfoque de los Banshees como "gótico". A partir del álbum de 1980, Kaleidoscope, elementos del exotismo oriental y un extraño romanticismo comenzaron a entremezclarse en su sonido: Juju (1981) incluía composiciones tituladas "Voodoo Dolly", "Halloween" y el inquietante éxito "Spellbound". Su álbum de 1984, Hyaena, representa el clímax del período gótico de los Banshees, descrito en el libro Cult Rockers como "una pesadilla que viaja a través de sanguijuelas chupasangres, buitres babosos, gusanos y chacales en un paisaje de corrosión y putrefacción". Dejando de lado semejante hipérbole, es difícil entender cómo la banda renegó después de su etiqueta de "gótica", cuando el álbum incluía un material tan siniestro como "Belladona" o "Bring me the head of the Preacher Man" (bueno, quizás esto no sea tan difícil de entender, pues los Sisters of Mercy también renegaron siempre de su etiqueta de "góticos").
Posteriormente, tras la disolución de la banda, Siouxsie y Budgie formaron un nuevo grupo, The Creatures, con los que sólo grabaron tres álbumes y una compilación y, por último, Siouxsie comenzó una carrera en solitario.
Bueno, pues ¡qué decir! si Siouxsie es una de mis favoritas y siempre lo será. Sobran las palabras o, tal vez, faltan. El caso es que, sea cual sea la etiqueta que quieras aplicarles (punk, post-punk, gothic, new wave, etc.), Siouxsie and the Banshees es una de esas memorables bandas de los 80's que los mayores recuerdan con nostalgia y los jóvenes admiramos con anhelo.
¡Hola! Pues hoy me vais a disculpar, porque no me encuentro con muchas ganas de redactar uno de mis artículos (me queda una semana de vacaciones y quiero aprovecharla al máximo, antes de verme obligada a volver a la facultad), así que dejo un documento igualmente interesante... se trata de uno de los varios documentales sobre el club Batcave que existen. Está en inglés, pero creo que quien tenga ciertos conocimientos de esta lengua podrá entender algo sin ningún problema. Aclaro una cosa: lo del número 1 entre paréntesis es porque, como ya he dicho, hay varios documentales diferentes, y como seguramente en otra ocasión pondré otros, pues tengo que organizarlos en las etiquetas. Así no hay líos ;) Disfrutad.
En este blog parece que nada más se habla de murciélagos, ¿verdad? Bueno, al fin y al cabo es un blog dedicado al BATCAVE, luego es normal... Resulta curioso, y juro que no lo he hecho intencionadamente, pues ya lo tenía planeado de antemano, que hoy, en el día de mi decimonoveno cumpleaños, me haya decidido a hablar de esta banda en concreto... nada más y nada menos que The Birthday Party, uno de los primeros proyectos del australiano Nick Cave. Para hablar de Nick Cave necesitaríamos unos cuantos de posts, así que hoy nos dedicaremos exclusivamente de este grupo. Otro día hablaremos de sus "Malas Semillas". Me he tomado la libertad de traducir al castellano la sentencia "Release the bats!", que viene a significar algo así como el título de este pequeño artículo indica. Puede que a muchos no os suene esta simpática frase, o puede que sí; por vuestro bien, yo espero que más bien lo segundo. Pues bien, para los que no sepan a qué me refiero con "¡Liberad a los murciélagos!", tengo que decir que es el título de una canción de The Birthday Party que la banda compuso así más o menos en plan broma pero que, curiosamente, pronto se convertiría en su tema más conocido. También el mismo Nick Cave usó esta frase para burlarse de su propia condición de gótico (así de simpático es este hombre). En fin, Nick comenzó su carrera en The Boys Next Door, banda punk australiana especializada en covers de Alice Cooper, pero que al mudarse a Londres en 1980 se transformaría en The Birthday Party. En seguida ganaron una reputación de fuerte presencia en el escenario alternativo de la capital inglesa gracias a sus incendiarias actuaciones en vivo (que eran como caóticas e hiperactivas exploraciones de las negras profundidades del alma humana). Por cierto, el título de su single de 1981, del que ya hemos hablado, fue utilizado posteriormente como nombre de un club gótico californiano de Long Beach- para que veáis que efectivamente ha trascendido-, y parecía resumir toda la seducción y el espíritu del Batcave, con su mantra maníaco de "sexo, horror, sexo, murciélagos, sexo, horror, sexo, vampiros" (es toda una delicia escuchar el tema, lo digo en serio, por eso lo dejo más abajo para que tengáis la oportunidad de pasar un buen rato oyéndolo).
Más cerca del conflictivo corazón del furioso australiano, tal vez, se encontraban sus frecuentes caídas en la locura lírica, que recordaban las ficciones febriles de escritores góticos del sur, como Cormac McCarthy (resulta también curioso que el propio Nick Cave haya compuesto parte de la banda sonora de la película The Road, basada en la novela de este autor del mismo título y que, por cierto, recomiendo leer) o Flannery O'Connor, en donde la enajenación y la endogamia del sur profundo de los Estados Unidos vienen a ser como los elementos sobrenaturales de la literatura gótica tradicional, la que conocemos del siglo XIX. En temas tales como el inquietante "Deep in the Woods", el amor degenera en obsesión, odio, caos y asesinato en un entorno de miseria rural (Cave le dio firmeza a esta conexión con la tradición gótica del sur en su novela de 1989, "Y el asno vio al ángel", celebrada por tener "un sentimiento visionario; siempre sujeto a un humor negro bíblico", y por ser una novela con las suficientes visiones, presagios y locuras como para ser considerada la segunda mejor historia que haya sido contada). Durante la década de los ochenta, las meditaciones de Cave sobre la pasión violenta lo llevarían a chocar con las sensibilidades liberales de la prensa musical, ya que algunos escritores comenzaban a sentir que sus imágenes cruzaban los límites de la fantasía gótica y la misoginia inaceptable. De hecho, el editor de NME prohibió la cobertura de Cave porque consideraba que el australiano "fomentaba el mal". Más tarde, el propio Nick confesaría que la grabación más ofensiva fue esta "Deep in the Woods", que trataba sobre el asesinato de una niña desde el punto de vista del asesino; él mismo dice que es la única canción que se arrepiente de haber escrito. La caída de Birthday Party en 1983 coincide con las frecuentes visitas de Cave al Batcave, que para el australiano era "mejor que la mayoría de los clubes de Londres. Por lo menos es oscuro, y algo sucio, mientras que la mayoría de los clubes buscan el lujo". El lugar resultó ser una fructífera tierra de reclutamiento de colaboradores de otros proyectos artísticos, además de reunir a su nueva banda, Bad Seeds pero, como ya hemos dicho, esto forma parte de otra historia. Continuará, como suele decirse, más tarde. Antes hablaremos de otros músicos, otras bandas, otras anécdotas. Por hoy, me despido.
Antes que nada, disculpas de nuevo por no haber posteado en todo este tiempo, pero es que me han surgido dificultades para ello.Sea como sea, aquí estoy de nuevo para hablar en esta ocasión de la que tal vez sea una de las bandas más emblemáticas del mundo gótico: se trata nada más y nada menos que de Bauhaus. Si bien es cierto que es un poco bastante difícil definir cuáles son los orígenes de la música gótica propiamente dicha, la mayoría de la gente suele coincidir en que la primera grabación auténticamente goth es el single de 1979 Bela Lugosi's dead de esta banda de Northampton, convertido con el paso de los años en todo un himno. El cuarteto de Northampton al completo.
El curioso nombre de la banda, Bauhaus, está relacionado con su pasado artístico (tres de sus miembros procedían de escuelas de arte), y se referiría al revolucionario estilo de diseño lanzado por el arquitecto Walter Gropius, en 1919- de hecho, la banda se llamó inicialmente Bauhaus 1919-. Esto le otorgaba un aura artística, una pretensión casi misteriosa a la banda, y sugería además una conexión con la decadencia del Berlín de los años 20. El diseño de la escuela arquitectónica Bauhaus era totalmente funcional, opuesto a la complejidad decorativa que solía asociarse con el estilo gótico. Pero durante los primeros días del movimiento, a los miembros de esta escuela se los relacionaba con artistas expresionistas que aportaban la iluminación y los escenarios de influyentes películas de horror alemanas. Gracias a los fotogramas de este estilo de películas expresionistas (como la archiconocida El Gabinete del Doctor Caligari), la banda elaboró su imagen visual. La última pieza encajó con el actor Bela Lugosi. En el libro Dark Entries, de Ian Shirley, el vocalista Peter Murphy recuerda una conversación telefónica con Daniel Ash que podría considerarse una de las conversaciones fundamentales en la historia del rock gótico. Danny dijo: -"Oh, Dave [David J., el bajista] tiene un buen estribillo. ¿Has oído hablar de Bela Lugosi?". Le contesté que sí. Estuvimos hablando sobre la naturaleza erótica de las películas de vampiros, incluso de las del tipo de horror de la Hammer. Conversamos acerca de la sexualidad y el erotismo de Drácula. Danny habló sobre su fascinación sobre el tema y sus connotaciones ocultas. Así, seguimos hablando hasta redactar la canción-.En otra conversación telefónica mantenida entre Daniel Ash y David J., las ideas tomaron forma: "Le dije que tenía una frase" , recuerda Ash,"era básicamente una canción de Gary Glitter un poco más lenta gracias a algunos trucos de cuerdas; era realmente inquietante. Dijo que era muy extraño que yo dijera eso porque él tenía una letra sobre Bela Lugosi. Fuimos a los ensayos; yo comencé a tocar esa parte y Dave automáticamente tocó unas notas con el bajo; Kevin [el batería] empezó a tocar un ritmo de bossa nova y Dave le dio la letra a Peter para que empezara a cantar. Así surgió el tema Bela Lugosi's dead que hoy se conoce".
Portada del mítico single "Bela Lugosi's dead", hoy todo un himno del mundo gótico.
Cuando Bauhaus amenazó con sacar al glam rock de su tumba (con toda su teatralidad, androginia y artificio incluidos) se enfrentaron a una dura oposición de la prensa. Pero el glam de ellos era una especie de "glamour zombie", cubierto de telarañas en lugar de polvo de estrellas, y absorbieron la quizá más creíble influencia de las técnicas de grabación experimentales del ex hombre de Roxy Music, Brian Eno. No obstante, la crítica de la prensa se concentró en destacar que eran como pálidos ecos de dos vacas sagradas del rock británico: el material clásico de Bowie de la década de 1970 y la explosión punk.Como los periodistas acosaban a la banda por ser supuestamente una mera copia de David Bowie, ellos contestaron con un cover de 1982 de su tema "Ziggy Stardust". No obstante, las acusaciones que sostienen que Bauhaus estaban muy influenciados por Bowie son ciertas; pero la mayoría de bandas alternativas de entre fines de los setenta y principios de los ochenta le debían mucho a su creatividad en cierta medida. También es cierto que Bowie había hecho uso de todo.
Videoclip del cover que la banda hizo del tema Ziggy Stardust de Bowie.
En su libro Dark Entries, Ian Shirley expone su teoría, según la cual parte del motivo de la hostilidad de la prensa hacia Bauhaus era que los periodistas consideraban su actuación como pobre y fraudulenta al lado de la angustia violentamente introspectiva de Joy Division (de los cuales ya hablaremos en el futuro).
Gran parte de su música era tímidamente enigmática, a diferencia del single ya citado, que es un tema gótico bastante directo. La mayoría de las bandas que siguieron el camino de Bauhaus emulaban las cualidades misteriosas y surrealistas de su materal, en lugar del carácter más explícitamente espeluznante de Bela. Pero a los fans les encantó el melodrama de película de horror de su debut y la banda nunca renegó de su reputación gótica. En el año 1982, la banda invirtió en un vehículo para giras que ponía de manifiesto su costado divertido y, a la vez, macabro: un coche fúnebre viejo al que llamaban "bauhearsemobile". Este poco ortodoxo vehículo es un símbolo de Bauhaus: exagerado, de gusto dudoso; pero para los aficionados, era irresistiblemente chic y tenía cualidades narcóticas insospechadas, además de un humor negro muy pícaro. "Hicimos tapizar el coche en terciopelo negro", le dijo el bajista David J. al biógrafo Shirley. "El cenicero posterior estaba cubierto de terciopelo negro; solíamos sentarnos en el coche, fumar hachís y escuchar nuestros discos preferidos, viajando por el interior de Inglaterra inmersos en esta neblina negra. A veces, el coche se estropeaba y teníamos que bajarnos para empujar esa maldita cosa; pálidos moradores de la oscuridad con todo nuestro atuendo". El momento más evidentemente gótico de la banda, y la actuación que los llevó a la fama internacional, fue también el que precipitó su final. La banda fue escogida para tocar Bela Lugosi's dead en la primera escena de la película de vampiros El Ansia.
Bauhaus interpreta "Bela Lugosi's dead" en la escena inicial de El Ansia (The Hunger), protagonizada por Catherine Deneuve y "el rey del glam", David Bowie, e ídolo de la banda, a quien tuvieron oportunidad de conocer en el rodaje de dicha película.
La separación de la banda se debió en parte al hecho de que, si bien los fans escuchaban a la banda, lo que les gustaba principalmente era ver a Peter Murphy. Y es que, a medida que el éxito se acercaba, el increíble aspecto de Murphy lo convertía en el centro de atención eclipsando a los demás miembros. El hecho de que todos fueran eliminados de la escena inicial de El Ansia fue el colmo para los otros tres miembros de la banda; así que, en julio de 1983, se disolvieron.
Peter Murphy, vocalista de apariencia claramente vampírica de la banda, fue en gran parte responsable de su destrucción.
He escrito un artículo muy largo- posiblemente, demasiado-, pero es que Bauhaus es una de mis bandas favoritas (casi todas las de los 80s relacionadas con este mundillo, lo son)... sí es cierto que han sido muy criticados, y puesta en tela de juicio su condición "gótica", pero, para mí, son sin duda una de las mejores bandas de rock gótico que hayan existido nunca, junto con los Sisters of Mercy. Y es que, después de ellos, aunque muchas otras bandas han intentado imitarlos, nadie más ha logrado conseguir esas guitarras siniestras tan propiamente típicas de Bauhaus. Digan lo que digan, Bauhaus son Bauhaus. Originales de principio a fin.
